Jenny Savilles auffordernder "Gaze"

Ihre frühen Werke ziehen unweigerlich Aufmerksamkeit auf sich – als kraftvoller Gegenentwurf zur objektifizierenden Darstellung von Frauen in den Mainstream-Medien. Zugleich sind sie als malerische Arbeiten eine verführerische Hommage an das Porträt als Kunsthandwerk. Über die Jahrzehnte hat sie ihr Schaffen konsequent weiterentwickelt, wobei sie eine Vielzahl von Medien nutzt – darunter Kohlezeichnungen, Pastell, Acryl, Ölpastell und Ölmalerei – und ihr Themenspektrum erweitert hat. Sie malt nicht nur figurative Werke, sondern auch Porträts; nicht nur überzeichnete Frauenkörper, sondern auch vielschichtige, mehrfach übereinandergelegte Figuren, geschlechtlich ambige Menschen, intersexuelle Personen sowie Anspielungen auf klassische Kunst. 

Saville begann ihr Studium 1988 an der Glasgow School of Art – in einer Zeit, in der die Schule eng mit einer Gruppe männlicher Maler assoziiert wurde, die heute als die „New Glasgow Boys“ bekannt sind: Steven Campbell, Stephen Conroy, Ken Currie, Peter Howson und Adrian Wiszniewski. Diese figurativen Maler bevorzugten einen kühnen, expressiven Stil in psychologisch aufgeladenen Szenarien – ein unbestreitbarer Einfluss, den Saville weitergeführt hat. Die Themenwahl und die genderspezifische Ausrichtung von Savilles Gemälden sind klare Unterscheidungsmerkmale, doch diese zu sehr zu betonen, würde die immense Körperlichkeit zu wenig würdigen, die sie in ihre Werke einbringt.
Sie wuchs schnell über ihre Verbindung mit den „Glasgow Boys“ hinaus, ebenso wie über jene mit den „yBas“ – einer losen Künstlergruppe um Damien Hirst, Tracey Emin und Sarah Lucas. Es war ohnehin überraschend, dass sich jemand, der so sehr der Malerei verpflichtet ist, in eine multidisziplinäre Künstler:innenclique einfügen konnte.

In den folgenden Jahren spiegelte ihre Entwicklung stärker ihre Wurzeln als Malerin wider als jene einer Provokateurin. Ein Weg für Saville hätte darin bestehen können, den schockierenden Effekt von „Propped“ weiter zu verfolgen – sich ausschließlich auf Körperformen außerhalb der traditionellen Schönheitsnormen zu konzentrieren und ihre Arbeit in den Kontext der populären Bildkultur und Medienanalyse zu stellen. Doch stattdessen entschied sie sich für einen anderen Pfad: Sie lenkte die feministische Perspektive und das medienbewusste Kunstschaffen ihrer Zeitgenoss:innen zurück in ein Medium, das lange vernachlässigt, übersehen und als ungeeignet angesehen worden war. 

Glasgow war nicht nur der Ort, an dem sie vier Jahre lebte und studierte, sondern auch eine künstlerische Gemeinschaft und ein Erbe, das sie als Künstlerin prägte. Doch während es weiterhin ihren Hintergrund prägte, begann sie sich zunehmend auf Italien zu konzentrieren: Nach einem kurzen Aufenthalt in New York, wo sie in einer Praxis für Schönheitschirurgie die Wünsche und Erfahrungen von Frauen studierte, die sich plastischen Operationen unterzogen, lebte sie zwischen 2003 und 2009 in Palermo. Dort setzte sie sich intensiv mit den Alten Meistern auseinander. Ihre Figuren waren oft vor leeren oder unbestimmten Hintergründen platziert oder so nah beschnitten, dass nur ihr Gesicht sichtbar war; zunehmend erweckten sie den Eindruck, in einem Museum oder einem ähnlich sakralen Raum zu stehen – etwa mit der Statue und dem Sockel in „Fate I“ (2018).

Praktische Aspekte der Mutterschaft hatten ebenfalls einen direkten Einfluss auf Savilles Malerei. Zeichnen wurde für sie ein nützliches Mittel, um Ideen zu entwickeln, wenn sie weniger Zeit hatte, und ihr Umgang mit Fotografie wurde pragmatischer: Statt darauf zu bestehen, ein perfektes Stillleben in einem einzigen Bild zu komponieren, machte sie Tausende von Fotos und fügte sie später zu dem gewünschten Bild zusammen. Diese Arbeitsweise zeigt sich in ihren Gemälden direkt – etwa in der Schichtung von Körpern in Bewegung in „Chapter (For Linda Nochlin)“ (2016). Mutterschaft spiegelt in Savilles Werk ihre langjährige Faszination für geschlechtliche Ambiguität wider und vermittelt das Gefühl, dass Identität selbst eine konstruierte und veränderbare Größe ist. 

Nochlin kritisierte die Strukturen, die Frauen aus dem Kunst-Kanon ausschlossen. Savilles Werk hingegen spricht von den Herausforderungen, die sich daraus ergeben, innerhalb dieses Kanons zu agieren: dass künstlerische Identität nicht einfach beansprucht wird, sondern dass sich Künstler:innen mit der Komplexität der Positionierung innerhalb dieses Systems auseinandersetzen müssen. Sie hat alles erreicht, wofür frühere Generationen gekämpft haben – Sichtbarkeit, institutionelle Anerkennung, kommerziellen Erfolg –, doch ihre Praxis bleibt ein Ort der Verhandlung: weder vollständig der Aktivismus-Erwartung folgend noch sich der kunsthistorischen Tradition unterwerfend. Saville entscheidet sich für Spannung statt Auflösung – sie absorbiert und reframed Einflüsse und arbeitet mit und gegen Erwartungen.