BEATRIZ OLANO

Beatriz Olano (*1965 Medellin, Kolumbien) studierte an der The Milton Avery School of Arts in New York und lebt und arbeitet heute wieder in Medellin. Geometrische Formen, Farben und Linien charakterisieren ihre Malerei und Objektkunst. In ihren prägnanten, farbintensiven Installationen bezieht sie sich stets auf den Raum und arbeitet mit unterschiedlichen Materialien – zum Teil auch mit Found-Footage, wie alten Möbeln, recycelten Fenstern und Türen, die durch ihre Bearbeitung aus ihrer ursprünglichen Funktion herausgeholt und zu Objekten mit malerischem Charakter werden. Auch in der Installation im Hotel Kristiania spielt der Raum eine große Rolle. Aus der Beobachtung der Architektur, der Details der Holzvertäfelung, dem Spiel zwischen dem Außen- und Innenraum, entstand die Rahmenstruktur aus Tapes, Halbkreisen und Punkten. Ihre Installation spricht vom Raum im Raum, von der Architektur, die mit ihren eigenen typologischen Elementen neu konfiguriert wurde. Die Farbe spielt sich dabei stets in den Vordergrund.

Wie ist die Installation für das Hotel Kristiania entstanden, wofür du wieder eine ganz eigene, singuläre Rahmenstruktur aus Tapes und Papierkarton entwickelt hast?
Ich kam in diesen Raum im Hotel Kristiania ohne viel darüber zu wissen. Ich hatte ein paar Bilder und einen Raumplan. Aber es war wichtig, den Raum selbst zu erfahren und zu sehen und eine Gefühl für den Raum zu entwickeln. Die Informationen des Raumes, Ecken, Kanten, Materialien, die Beschaffenheit des Bodens etc. das alles ist wichtig für mich. Wenn ich dann die Idee im Kopf habe und mit der Installation beginne, dann fließt es sehr organisch.

Es ist das erste Mal, dass du mit einer farbigen Wand arbeitest?
Ja. Dieser spezielle Farbton, dieses braun-grau, ist ganz wunderbar und ich bin sehr glücklich damit und bringt meine Farben sehr gut zu Geltung. Dies einmal auszuprobieren war auch eine gewisse Herausforderung und das ist immer besonders. Ich habe die Ecken, den Boden und auch die Details an der Wand einbezogen und die Installation und die Platzierung der Kreise und Halbkreise folgt diesen in gewisser Weise. Durch die Kreise wird die Installation spielerischer, lässt mich mit  verschiedenen Farben und Größen spielen und gibt der Arbeit einen Twist. Auch weil die Materialien unterschiedlich sind. Die Tapes, die die Linien bilden sind glänzend, während die Kreise aus mattem Kartonpapier sind. Die Installation folgt vom Fenster über eine Längswand und geht dann bis zum ersten Fenster an der Eingangswand. Manche Linien enden an der Wand und werden nicht über die Ecke weiter geführt, was irritiert und auch einen gewissen Humor hat. Die Hängung der Bildobjekte hat sich dann als zweiten Schritt ganz natürlich ergeben.
 

Auch innerhalb deiner Bildobjekte spielst du mit der Irritation der Wahrnehmung und baust oft Sprünge in der Perspektive ein.
Ich arbeite gerne mit Diagonalen und Linien, die dann jedoch nicht geradlinig verlaufen sondern in eine andere Richtung springen. Es geht immer um die Verbindung von Raum und Linien, um einen Rhythmus, darum Sichtachsen, zu beachten und Kontraste herzustellen. Früher habe ich unterschiedlich breite Tapes benutzt, jetzt sind sie einheitlich. Das gibt der gesamten Installation eine gewisse Einheitlichkeit – und gerade wenn man so wie hier mit einem Raum arbeitet, der keine Galerie ist, kein White Cube, ist das von Vorteil, um bei aller Vielteiligkeit dennoch eine gewisse Ruhe in die Installation zu bringen. In der Galerie in Stuttgart habe ich auch den Boden einbezogen. Insgesamt geht es mir immer darum neue Möglichkeiten erforschen – mit den simplen Modulen wie Linien, Kreisen, Formen und Farben. Dabei arbeite ich immer mit der Hand, auch in den Bildern. Die Linien und Farbflächen wirken auf den ersten Blick exakt, wie mit dem Lineal gezogen, doch sie sind es nicht. Und bei näherer Betrachtung sieht man auch, dass sie nicht perfekt sind, aber genau das ist wichtig für mich. So wie in der Malerei ist es auch bei den Klebebändern. Ich schneide die breiten Rollen mit der Schere, also auch freihändig.